miércoles, 15 de junio de 2011

Manifiesto sobre el Arte

Al releer mi manifiesto sobre el arte luego de todo lo estudiado en la materia creo que mi visión sobre el tema era un poco naive, y fundada en base a percepciones personales. Siempre me incline y tuve interes por el arte, y conocía algunos artistas, pero no tenía una visión de lo que es el sistema del arte y del desarrollo que tuvo a lo largo de la historia. Yo estaba convencida de que el arte existía dese que existe el hombre, no conocía tanto de esta esferá que es el sistema, ni que instituciones la conformaban. Sigo convencida de que el arte no se produce con una intencion de utilidad para la vida cotidiana si no que su produccion esta ligada tanto a una busqueda conceptual como formal. Y es interesante en cada obra analizar como se relacionan estos dos aspectos, que estetica se utiliza para expresar determinada idea. Me fue muy util estudiar los distintos movimientos artisticos y como estos tomaron de distintas maneras al arte en representacion de distintas ideas. También es interesante al estudiar la historia comprender que el arte por más que no tenga una funcion de utilidad, siempre lleva a cabo un proceso de formulación y de interpretación de una obra, insertandose en un nivel social, movilizando ideas en los espectadores. Una obra de arte esta hecha para ser observada por otros.
Me parecio interesante elaborar propuestas propias, más que nada desarrollar un concepto en base a la ciudad que tiene tantos aspectos interesante para abordar, y luego pensar de que manera queria transmitir este concepto siendo fiel a mi forma de ser, a una estetica que se adecuara a mi visión. Estoy conforme con los trabajos que hice pero los considero una forma de experimentar y ponerme en contacto con el arte, pero no una obra concluida.
Personalmente lo que me gustaba del arte era sentir que no formaba parte del sistema, y que era exterior a las normas de la sociedad, y es en ese punto que cambio visión, que considero ingenua. El arte considero que es una forma de recortar la realidad, no con el proposito de convencer al espectador, si no con el proposito de movilizar un mecanismo de reflexión. El arte parece siempre haber ido en contra de algo, el neoclacisimo en contra del lujo del rococó, el realismo en conta de los ideales obsoletos del romanticismo, incluso fue en contra de si mismo con artistas como duchamp que cuestionaron que era lo que establecia lo que era arte y lo que no. Sería interesante ver como continua esta historia, donde parece que ya todo esta hecho, contra quién iran los nuevos artistas.

martes, 14 de junio de 2011

PROYECTO ARTE

INTIMIDAD E INTEMPERIE : SURREALISMO



Para este trabajo elegí continuar sobre el mismo eje que el anterior, enfocándome en la ciudad como la relacion entre lo intimo y lo publico, pero esta vez tomando los principios y la estetica surrealista para hacer el recorte fotografico de la realidad.

Lo que me intereso de esta vanguardia fue la influencia freudiana, y las maneras en que plasmaron sus ideas y buscaron representar en sus obras la aparición de sus propios inconcientes. Lo que Breton definio como automatismo psíquico, a la libertad y accionar real del pensamiento, sin ningun tipo de regulación logica o moral. Las pinturas que parecen sacadas de un sueño o una pesadilla por los elementos que aparecen sin respetar ninguna ley de sentido. La forma de plasmar este estado mental fue lo en lo que me base para realizar mi serie fotografica.

Pense en la intimidad como todos aquellos recovecos de nuestra mente donde alojamos los pensamientos más diversos, ocultos incluso para nosotros mismos, que se dejan entreveer en sueños, y en la intemperie como el mundo real que nos rodea, donde vivimos. Ya no es como en mi trabajo anterior donde la intimidad eran los espacios interiores de los hogares, y la intemperie eran las calles. El afuera es ahora todo lo que nos rodea, las ventanas al exterior, y la intimidad esos pensamientos inconcientes que accionan las cosas externas en nuestra mente.

Al realizar las fotografias me base principalmente en dos exponentes del surrealiso, Man Ray y Magritte.
En relacion al primero, intente imitar la estetica de sus fotografias que al ser realizadas con la tecnica del rayogama eran monocromaticas, en blanco y negro, y a veces muy granuladas.




De Magritte me insipire en dos obras en particular.
De "La condicion humana" me intereso como el paisaje se mezcla con los objetos que se ven, como si se continuaran.




De la obra "El espejo falso" rescate la idea del ojo como ventana a la mente, y me llamó la atención esta idea del cielo reflejado en los ojos, como la presencia del exterior en el interior del pensamiento.




A la hora de realizar las imágenes busque dar la sensación de que los elementos aparecen “mágicamente”, para esto no utilizé photoshop si no que elegí la técnica fotografica de la doble exposición, es decir en una misma toma expongo un motivo primero y luego otro, y también registré los reflejos de los objetos en vidrios, donde el paisaje de fondo se mezclan con el reflejo del interior de las habitaciones.



En esta imagen en particular se puede ver como se mezclan espacios diferentes, el piso de afuera se mezcla con la alfombra, y es dificil saber que elementos estan ubicados en donde.



También tomé elementos como una manzana,una bicicleta, una boca, un ojo, una mano, para superponer con los paisajes mediante la doble exposición. Estas figuras como la del ojo pueden entenderse como metafora de las manifestaciones de la actividad psiquica inconciente, como si fueran ventanas de la mente.












Estas figuras que aparecen en cuadro representan aquellos pensamientos inconcientes, esas fantasías oníricas que resultan imposibles para las leyes de la lógica y de la realidad, que violan el orden natural, pero que en nuestras mentes aparecen y desaparecen continuamente en forma de los impulsos, pesadillas, sueños y recuerdos más intimos.

miércoles, 8 de junio de 2011

"PROYECTO CIUDAD"

Intimidad e Intemperie



Para este proyecto mi propuesta consistió en tomar a la ciudad como un espacio de división y relación entre los ámbitos de la vida intima, lo que serian los espacios privados, y entre la vida exterior o publica, las calles, las plazas, el afuera. Lo denomine intimidad e intemperie.
Hice una serie de diez fotografías que representasen ese concepto, y para ello tome imágenes de espacios públicos colocando frente al lente de la cámara una especie de “orificio” o “ventana” hecha de papel negro, para crear la ilusión de que lo que se esta viendo se ve desde un entorno cerrado distinto al del afuera. A estas imágenes las superpuse en photoshop, con imágenes de mi propia intimidad, fotografías que seleccione de situaciones que representaran la vida privada de las personas.
De esta forma busque plantear un contrapunto entre lo intimo y lo publico limitados por una ventana, pero al mismo tiempo difusos y mezclados, como sucede a veces en la realidad que los mismos limites se entrecruzan y se relacionan.



En cuanto al criterio estético lo primero que plantee fue como iba a ser el registro fotográfico de las situaciones de los espacios públicos. Para ello me base en las caracteristicas de la pintura impresionista. No quise que esta influencia fuera demasiado evidente, por lo que preferi evitar la distorsión de la imagen y el uso del desenfoque, pero si me intereso hacer un registro de lugares a distintas horas del día, para poder aprovechar los diferentes estados y colores de la luz. En las dos imágenes siguientes se puede ver un motivo con luz artificial de la noche para la que tuve que obturar la camara a una velocidad lenta y así lograr captar la estela de los faroles y sus distintos colores, y también motivos con luz de atardecer o del alba, esto es un rasgo típico de los pintores impresionistas que se interesaban por plasmar estas variaciones lumínicas.







En la imagen del atardecer, y en otras, aproveche también los colores pasteles, como el rosa, violáceo, y celeste del cielo para hacer un paralelismo con la paleta impresionista, si bien no elimine el negro para no tener que sobre exponer las fotos. Otra característica que intente llevar a la foto, fue la de elegir encuadres amplios y planos generales, para dar esta sensación de paisajismo, que es lo que prima en los motivos impresionistas. Por ultimo, mi intención fue, al mezclar las imágenes con fotografías viejas, lograr un efecto de sensación en su totalidad a través de los colores y formas que se mezclan, y no que prime el detalle de cada situación particular. Me parecía también interesante la fusión entre las diferentes tonalidades que se generaba.

Si bien al observar las fotografías probablemente no se lo relacionaría inmediatamente con una influencia impresionista, por que incorporé muchos elementos como el recuadro negro alrededor, o el mantenimiento de la mimesis fotográfica que son contradictorios al movimiento, fue por que mi intención era principalmente trabajar con la luz y, como hacían los impresionistas , salir de la intimidad del estudio para pintar a la intemperie de la naturaleza, que en este caso fue la ciudad.

lunes, 11 de abril de 2011

"Menos tiempo que lugar"

El arte de la independencia.


La muestra se plasma a través de un poema de Benedetti; son en total siete obras de videoarte que abordan la temática planteada por Alfons Hug, curador y director del Goethe Institut de Río de Janeiro, quien propone como sujeto a América Latina en toda su amplitud y sus matices, con una mirada indagadora puesta en la relación pasado-presente.
A doscientos años de independencia instala un signo de interrogación sobre el significado de esta, dejando que los artistas hagan su lectura sobre las transformaciones políticas, sociales y culturales a los que el continente esta sometido. Desde vídeos que citan la famosa “Carta de Jamaica” de Bolivar y comparan las antiguas promesas con la realidad actual, como es la obra de Leticia El Hallil Obeid o la de Claudia Aravena Aboughosh (que no azarosamente están ubicadas una al lado de la otra), hasta la serie de fotografías de Fernando Gutierrez, quien invita al descendiente de un almirante peruano a recorrer las tierras de una batalla pasada, las obras nos pasean por los distintos escenarios captando imágenes instantáneas de un tiempo presente ligado a la historia.

Quien representa con mayor fidelidad el eje de la muestra es la alemana Christine de la Garenne, con su obra “Carabobo”. La pantalla dividida permite ver dos escenas desarrollándose al mismo tiempo, son escenas del Campo de Carabobo en Venezuela, lugar clave en la guerra de liberación de ese país donde con monumentos y con la marcha de los soldados, se conmemoran aquellos tiempos. Las imágenes, planos en su mayoría generales y amplios, permiten ver la grandeza del espacio y a sus únicos visitantes que resaltan por el rojo de sus vestimentas, los soldados. El vacío y abandono del lugar solo son contradecidos por estos uniformados que marchan al rayo del sol y a la vista de nadie, y por un par de chicos que aparecen brevemente andando en bicicleta. La artista muestra con claridad como un lugar de importancia histórica ya no forma parte del presente de su pueblo, que bien ha decidido olvidarlo, o bien ya no cree en los ideales que esa plaza, sus monumentos y sus soldados estoicos representan.

Por otro lado la obra que más protagonismo cobra por su ubicación y sonoridad, y a su vez la que más desentona con el ambiente, tal vez por transucrrir fuera de América en España, es la de Martín Sastre "Episode 1: Tango with Obama",.








"Episode 1: Tango with Obama" Martin Sastre.






La música de los Guns & Roses hace bailar a un imitador de Obama y al mismo artista un tango, mientras aparecen titulares de guerra entre América Latina y Estados Unidos que anuncian el nuevo orden mundial. Desde la vestimenta del artista, un tanto pop y kitsch con clara impronta norteamericana, hasta la selección musical y la similitud con el formato de videoclip, todo en el vídeo hace referencia a la relación enfermiza de amor odio entre una potencia mundial y los países latinos tan influenciados por esta y por su promesa como líder del nuevo mundo. La obra se posiciona desde un punto de vista sociocultural y político actual que tiene que ver con la independecia que todavía no poseemos; la de la influencia norteamericana.

La muestra logra capturar un instante de todos estos lugares simbólicos que componen nuestro continente, y hace que duren más que la fugacidad del presente, que se independicen de este y que existan el tiempo que exista la obra.



Sobre la exposición:

“Menos Tiempo que Lugar”
El arte de la Independencia

Museo Caraffa
Córdoba - Av. Poeta Lugones 411

en coperación con
Goeth Institut de Córdoba


Artistas
Narda Alvarado (Bolivia), Claudia Aravena Abughosh (Chile), Leticia El Halli Obeid  (Argentina), Christine de la Garenne (Alemania), Fernando Gutiérrez (Perú), Bjørn Melhus (Noruega/Alemania), Martín Sastre (Uruguay).

Curador
Alfons Hug (Alemania/Brasil). Co-Curadora: Paz Guevara (Chile/Alemania).

Horarios:
Martes a Viernes de 10.00 a 20.00 hs.
Sábados y Domingos de 10:30 a 19 hs.

martes, 29 de marzo de 2011

LAS LETRAS DEL ARTE

Diccionario: Una revista diferente al mando del arte


Empezamos a tomar contacto formal con este “submundo” cordobés del arte, y digo submundo por que pareciera que el común denominador de los ciudadanos no pertenece a él ni se relaciona de manera diaria o constante. Aunque suene raro ya que el arte es una producción social. Pero así es en córdoba; los espacios existentes parecen ser pocos y no muy concurridos por la mayoría de los cordobeses.

A mi me tocó investigar dentro de este círculo lo que vendría a ser el espacio de las publicaciones y aquellos medios que encarnan al arte. Si bien la mayoría de las revistas de arte contemporáneo cumplen con un propósito que es el de mostrar el arte y anunciarlo de una manera más accesible y fácil que la de los museos, la revista en la que indagué no pareciera cumplir con esta función, o por lo menos no de la misma manera.

Diccionario, Revista de Letras.

Así se llama, y lo primero que me llamó la atención al verla sin aún conocer de que trataba fue la estética pulida que mostraba. Usando blancos, negros, un diseño lúdico pero prolijo y rítmico, sirve de marco a un contenido mucho más interesante.



La propuesta de Diccionario es simple y compleja; se asigna una letra del diccionario a artistas diversos para que a partir de ella creen un texto. De allí en adelante corre por cuenta de cada persona invitada que palabras combinará. Como nos cuenta uno de sus miembros Emanuel Rodríguez, periodista que lleva trabajando en Diccionario desde el año 2000;
“El punto de partida fue la idea de hacer algo que vaya en sentido opuesto a nuestro trabajo cotidiano en el diario: las reglas de Diccionario son las opuestas de la edición periodística: no hay límites de espacio ni de temática, ni trabajamos bajo la presión de la agenda.”

Resulta entonces más difícil ubicar a Diccionario dentro del sistema del arte, ¿Es una revista que habla sobre arte, o es en si misma la revista una obra? Casi que se podría decir que en cada nueva edición hay una especie de curaduría colectiva, la revista pone la pauta, la letra, invita a un artista, y este deja que su creatividad lo dirija, luego se compilan los distintos textos y el resultado es Diccionario.

Una de mis mayores intrigas frente a un proyecto editorial tan de vanguardia fue sobre como sería la recepción por parte del público cordobés, y si el contexto en el que se encuentra permite el crecimiento y la existencia de una revista como esta. Emanuel Rodríguez explicó que cuando salió Diccionario tuvo la extraña particularidad de ser la única revista cultural de la ciudad. “No fue mérito nuestro: el diario estaba a punto de suspender su suplemento de Cultura y no había otros medios de difusión en papel. Por suerte ahora hay dos revistas "mainstream" -Ciudad X y Deodoro- que agitan el ambiente.”

Emanuel opina que Diccionario es dueño de un lugar pequeño y marginal dentro del circuito cordobés, construido con mucho esfuerzo. “Córdoba tiene un particular menosprecio por la producción artística contemporánea: sólo cuida su pasado, y un cierto tipo de pasado que es funcional a una idiosincracia conservadora y un tanto snob.”
Para él el arte cordobés podría tener un crecimiento y una expansión importante, pero para ello necesita mejores políticas culturales, por que sin las políticas adecuadas “dependen del genio artístico y de la caridad de los millonarios” .
Esto nos hace pensar en lo difícil que resulta reafirmar frente al mundo la capacidad artística que promete Córdoba sin el apoyo necesario de las instituciones correspondientes, al que se le debe sumar el apoyo, el reconocimiento y la confianza de la misma sociedad en sus artistas.

Al preguntarle a Emanuel sobre el arte contemporáneo me dio una respuesta que creo yo define la esencia misma de la revista: “ Creo que la fortaleza del arte reside en que siempre puede ser vehículo creativo de una disidencia. Creo en ese arte, y sólo en ese”

Revista Diccionario de letras prueba que su política de comunicar parte de disidir, no optar por los lugares comunes. A pesar de estar dentro de un contexto muy acotado y prudente, demuestra que hay ideas con potencial, arriesgándose y apostando a un proyecto de notoriedad. Una revista con todas las letras que explota en la cara del sistema del arte cordobés como una bocanada de aire fresco, y nos recuerda a todos que vale la pena.



PERFIL

Revista Diccionario

DICCIONARIO es una revista de arte, literatura y pensamiento.
Los artistas y autores invitados a participar, reciben una única consigna: una letra del alfabeto español. A partir de esa inicial, producen una obra sin limitaciones de espacio ni de tema.
www.revistadiccionario.com


Emanuel Rodríguez


(Córdoba, 1978) Periodista y escritor.
Colabora regularmente en la sección cultural del diario La Voz del Interior y en las revistas Ciudad X y Ñ.
Autor de la revista de humor La Piedra en el Zapato, que se editó en Córdoba de 2000 a 2006.



Olivia Sanchez Ruival

miércoles, 23 de marzo de 2011

MANIFiESTO PERSONAL SOBRE EL ARTE

Me resulta muy difícil resumir e intentar definir al arte, es como querer definir la vida. Pero de mi mejor intento esto es lo que resultó:
El arte es algo que toma forma y se manifiesta sólo a través de los seres humanos. Consiste en la manipulación de recursos naturales, y artificiales para generar un marco o un contenedor de ideas y pensamientos que el artista decidió representar. La obra no tiene funcionalidad alguna, es completamente obsoleta, solo transmite, pero no forma parte de la vida cotidiana. El arte estuvo siempre en contacto con el hombre, que en un principio lo manifestaba, y luego lo empezó a catalogar y ubicarlo dentro del sistema. La esencia del arte esta en la visión del mundo que es presentada, en la belleza pero no entendida como algo agradable a los sentidos, si no a la belleza como verdad, como búsqueda de humanidad, ética y estética. Dignifica, y busca resaltar desde pequeños detalles hasta grandes ideas que forman parte del universo.
Eso para mí es arte.

jueves, 3 de junio de 2010

Literatura en Córdoba, del puño y letra de Federico Falco.

Federico Falco publicó “La hora de los monos”, una colección de nueve cuentos.



“La hora de los monos”. Así se llama el nuevo libro recién publicado del escritor Federico Falco. Se trata de un volumen sólido en el que se reúnen nueve relatos, editados por la prestigiosa editorial Emecé.

El autor, un joven escritor cordobés, celebra el lanzamiento de su nueva obra apartado de su ciudad de origen ya que actualmente esta viviendo en la gran manzana, la ciudad de Nueva York. Falco esta cursando allí un master en Bellas Artes con especialización en escritura creativa española, en el departamento de español y portugués de la New York University, gracias a una beca que logro obtener. Cuando termine el master, ¿Volverá? “Dura dos años y estoy terminando el primero. En agosto debería volver, pero tal vez haga un semestre de intercambio en Madrid (aunque no es del todo seguro)”

El cuento del cuento


La historia de su cuento es así: En el año 2007 Federico recién terminaba de escribir una novela, por lo que decidió escribirle a la editorial Emecé y averiguar si estaban interesados en publicársela. Para su sorpresa Emecé respondió que no estaban interesados en lo que había presentado, pero que para su suerte estaban armando una colección nueva de libros de cuentos y les interesaba que él se sumara al proyecto.
Federico no lo dudó. Él mismo cuenta lo graciosa de la situación y lo conciente que es de la suerte que tiene, ya que generalmente las editoriales en este país suelen buscar escritores de novelas y no de cuentos cortos. Pero, en su caso fue todo lo contrario.
“Fue una situación graciosa. Supuestamente, cada vez que uno tiene un libro de cuentos terminado y se lo acerca a un editor, el editor te dice que cuentos no, y te pregunta si no tenés una novela. En mi caso fue al revés, y fue una especie de bendición”.

El proceso

El armado de el libro fue un proceso largo, duró alrededor de tres años, si bien las primeras versiones de algunos cuentos existían desde el 2003. En un principio su idea fue generar una cantidad de cuentos importante para luego de esta seleccionar los que mejor armonizaran entre sí. Falco dice que no le interesaba generar una unidad temática si no una homogeneidad en el tono de los cuentos. Finalmente, le dieron una fecha límite y a partir de ahí se dedicó a seleccionar, corregir y reescribir. El numero total de cuentos, nueve, se definió al descartar algunos por no considerarlos terminados aún. Agregó algunos nuevos, pero luego por una cuestión de espacio se redujeron a nueve.

Federico realizó numerosas entrevistas, y poner su nombre en google nos lleva a diversos blogs con entradas sobre el. Probablemente sea un nuevo foco de interés dentro de la literatura local, y argentina, y con suerte sirva de incentivo a aquellos muchos otros escritores que desde sus computadoras, maquinas de escribir, o papeles, vuelcan sus ideas y mezclan sus palabras. En alguna pagina Web leí que su cuento preferido de “La hora de los monos” era uno titulado “Flores nuevas”, por que le caía especialmente simpático. Ahora solo falta averiguar cual es el nuestro.




PERFIL DEL AUTOR
Federico Falco nació en General Cabrera, Córdoba, en 1977.
Publicó los libros de cuentos 00 (2004) y 222 patitos (2004),
y la plaqueta de poemas Aeropuertos, aviones (2006).
Made in China (2008) se puede calificar como prosa poética.
Ha participado en las antologías La joven guardia (2005),
In fraganti (2007) y Es lo que hay (2009), entre otras.



EL LIBRO

“La hora de los monos”
Federico Falco
Emecé
$ 67
Sinopsis:
¿Cuál es el revés de lo cotidiano?
¿Qué se esconde detrás de esa calma aparente
que se sucede día tras día? Cuando lo “normal”
muestra su hilacha, es posible que lo haga con
el tono de los cuentos de La hora de los
monos: una duermevela extraña que tiñe los
movimientos de los adolescentes de un pueblo;
una tarde que termina en una tragedia sin sentido
en el estacionamiento de un supermercado; la previa
de un viaje en avión que despega desde la selva
brasileña; la intimidad de una pareja asediada por
la locura; la relación de una señora mayor con el
zoológico y los extraños ritos de una danza
demasiado de vanguardia.



Para los interesados, aquí las direcciones de algunas páginas con entretenidas entrevistas realizadas al escritor.
http://sites.google.com/site/25preguntas/25/federico-falco
http://elremiseroabsoluto.blogspot.com/2005/08/el-cuestionario-como-un-viaje-de-ida-6.html
Y para aquellos que quieran sumar el libro “La hora de los monos” a su biblioteca, solo deben entrar al siguiente link:
http://www.tematika.com/libros/ficcion_y_literatura--1/novelas--1/argentina--3/la_hora_de_los_monos--510834.htm